攝影者的一部分工作是比大多數人「看」得更熱烈。它必須具有新生嬰兒或初入未知國境的旅行者那樣的眼光，並且保持其敏感及易受感動的特質。大多數攝影家都會不好意思承認他們帶有好奇的感覺，可是沒有這種感覺，就做不出完美的東西來。
勃蘭特關於攝影家眼力的說法經常被人引用。對他來說，怎麼觀察比怎麼表現對像還來得重要：
我們大多數人都太忙了，太憂心、太急於證明自己是對的，以至於不能起而凝視對象。我們看到一件事就相信曾見過它，然而所看到的通常是自己的偏見，或是過去的經驗，或是我們的期望。大多數人很少釋放自己的思想、心靈，而光是為了「看」本身就有的樂趣去看——我們越是不這樣看，事物的本質就會在我們身邊隱藏得越久。
No.1 約克郡奧克維特沼地，1944
No.2 維特郡巴勃裡堡，1948
簡單地說，勃蘭特強調直覺，他認為太過於自省反而會阻礙與對象的溝通。直覺正是創作者下意識洩露出來的「心靈眼睛」，唯有它能看到事物的本質。
為了把自己所看到的事物內在本質表現出來，勃蘭特在暗房大做手腳，把景色原有的層次做了很大的增減曝光，使之呈現高度反差效果——灰色調子極少，黑白分明。勤於各種實驗的勃蘭特也曾在彩色底片發明時做過試驗。他那本最著名的專集《光之影》的初版裡，就有幾張彩色照片，不過等再版時卻又被抽掉了。從此勃蘭特就再也不去碰彩色了。他希望自己的影像能夠躲避大自然的豐富層次，因而每一次再版時，都要求印刷廠增加反差，且一版比一版有更高的「不黑即白」的調子；不過這種手法往往會讓不明究竟的讀者以為買到一本印壞的書籍。
不管別人接不接受，勃蘭特視「不黑即白」為「似是而非」的主題之最佳語言。評論家布萊恩·坎貝爾對這種風格給予相當高的評價：
勃蘭特利用銳利的黑白色調來孤立物體，使它們脫離原有的寓意，並帶起一種視覺的興奮感。他開啟了一條真實與虛幻之間的裂縫，並提供給我們一條跨過這條裂縫的管道。